"el Museo del Prado tiene una excelente colección de bodegones"
¿Cuál es el bodegón más famoso del mundo?
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| Caravaggio, Cesto con Frutas, 1597-98 |
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Juan Fernández el Labrador, Bodegón con Cuatro Racimos de Uvas, 1630 |
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| Pieter Claesz, Bodegón, 1633 |
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| Willem Claesz, Trozo de Pastel de Carne Picada, 1635 |
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| Francisco de Zurbarán, Naturaleza Muerta con Limones, Naranjas y una Rosa, 1633 |
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| Francisco de Zurbarán, Bodegón de Cacharros, 1650 |
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Jean Baptiste Chardin, Naturaleza Muerta con Jarrón y Frutas, 1750 |
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| Jean Baptiste Chardin, Bodegón con Gato y Raya, 1728 |
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| Van Gogh, Jarron con 12 Girasoles, 1888 |
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| Cezanne, Bodegon con Cesto de Manzanas, 1890-94 |
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| Picasso, Naturaleza Muerta con Rejilla, 1912 |
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| Dalí, Cesta de Pan, 1926 |
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| Ralph Goings, Bodegon de River Valley, 1976 |
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| Claudio Bravo Berengena, 1983 |
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| Fernando Botero, Naturaleza Muerta con Frutas, 1989 |
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| Botero, Bodegón con Mandolín, 1998 |
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| Botero, Naturaleza Muerta con Le Journal, 1992 |
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Entonces, ¿cuáles son las naturalezas muertas más famosas de la historia del arte?
1. Fede Galizia, Naturaleza muerta (ca. 1610)
Fede Galizia, Still Life, hacia 1610. Colección particular.
¿Y si empezáramos por devolver algo de justicia a la historia del arte? Puede resultar una sorpresa, teniendo en cuenta el lugar que se le ha dejado a la mujer en la epopeya artística de los últimos siglos, pero el surgimiento del bodegón como estilo distintivo es principalmente el resultado de una feroz voluntad femenina .
¿Una mujer? No, mujeres . Fue a principios del siglo XVII cuando florecieron los primeros experimentos reales con naturalezas muertas, en el sentido moderno del término (lejos de las viejas vanidades) , es decir, composiciones de objetos inanimados, generalmente frutas, alimentos, utensilios y animales.
Fede Galizia, Bodegón con manzanas sobre una tazza de mayólica, con nísperos y grosellas blancas , ca. 1612. Localización desconocida.
En ese momento, las naturalezas muertas no se depreciaban sino que convivían con otros géneros tradicionales: pinturas , retratos o paisajes mitológicos y religiosos . Sin embargo, los pintores pintaron principalmente retratos (porque les pagaron por ello), luego pinturas mitológicas y religiosas (porque los hizo famosos), y poco a poco fueron abandonando vanidades, naturalezas muertas y paisajes que no les traían ni fama ni fortuna. Europa está en plena efervescencia artística, desde los Países Bajos a Italia, pasando por Francia, muchos lugares artísticos están llenos de talentos de todo tipo. Entre estos artistas, tres mujeres se desprenderán del sentido común para dedicar la mayor parte de su creatividad a la realización de naturalezas muertas .
Pero, ¿quiénes son estas Chicas Superpoderosas de Still Lifes?
Primero, en Milán (Italia), Fede Galizia crea una serie de deliciosas cestas de frutas. A unos miles de kilómetros, una de sus coetáneas, Clara Peeters , residente en Amberes (Países Bajos), florece entre cientos de naturalezas muertas que representan mesas preparadas para comidas copiosas y refinadas. Finalmente, unos años más tarde, hacia 1630, la artista francesa Louise Moillon también produjo numerosos bodegones en la línea de Fede Galizia.
Clara Peeters, Naturaleza muerta con tazza de plata dorada , 1613. Colección particular.
Estas tres mujeres indiscutiblemente popularizaron este género en toda Europa, tanto con coleccionistas como con otros artistas. Sin embargo, son sus homólogos masculinos, que llegaron más tarde, a quienes se les da un lugar de elección en la historia del arte. Hagamos justicia hoy a estas tres mujeres injustamente olvidadas a pesar de su labor pionera, que merece ser redescubierta .
Louise Moillon, Bodegón con canasta de frutas y espárragos, 1630. Art Institute of Chicago.
Si la rehabilitación de mujeres artistas en la historia del arte es un tema que está cerca de su corazón, consulte nuestros artículos dedicados: 4 mujeres extraordinariamente rudas que cambiaron la (muy patriarcal) historia del arte y 4 mujeres artistas eclipsadas por la fama de su esposo. .
2. Jean-Siméon Chardin, El rayo (1728)
Jean Siméon Chardin, The Ray , 1728. Museo del Louvre, París.
Para sus contemporáneos, Jean-Siméon Chardin era considerado un maestro absoluto del género , sobre todo por su habilidad técnica y sus asombrosas composiciones. Esta obra de arte, que se exhibe en el Museo del Louvre, es un testimonio convincente de su eficiencia pictórica.
En esta composición, descubrimos un pequeño banco de trabajo de madera sobre el que se disponen diversos objetos: utensilios de cocina y recipientes encuentran su lugar junto a un gato, cadáveres de pescado y ostras. Sobre este extraño desorden, una pared de ladrillos impone su penumbra y un rayo, en el centro de la obra de arte, es sostenido por un gancho de metal .
¿Por qué tanto lío? Esta maraña de objetos inanimados (aparte de este intrépido felino) permite al artista expresar con mayor libertad su voluntad pictórica : aquí, por ejemplo, elige una construcción piramidal para estructurar la composición. La pirámide central está obviamente representada por el rayo, luego se revelan otras dos pirámides inferiores a cada lado del animal: una toma su cima en el extremo de la cola del felino, la otra en el extremo del cucharón colocada en equilibrio sobre el yeso. olla de hierro.
El mantel blanco crea una dualidad en el centro de la obra de arte y divide la composición en dos . Finalmente, las entrañas visibles del rayo aportan una sorprendente brutalidad a la obra de arte: dispuesta así, su extraña expresión facial nos enfrenta y nos incomoda. Chardin nos aleja del romanticismo con esta mantarraya destripada, tan siniestra como inquietante .
3. Edouard Manet, Manojo de espárragos y los espárragos (1880)
Edouard Manet, Manojo de espárragos , 1880. Museo Wallraf-Richartz, Colonia, Alemania.
Aquí hay una historia poco convencional en el mundo del arte y una anécdota divertida para brillar en la sociedad. Estas dos naturalezas muertas son lo mismo y son más conocidas por la historia detrás de su creación que por sus puras cualidades estéticas.
Érase una vez, en 1880, un coleccionista de arte y buen amigo de los impresionistas: Charles Ephrussi . Decidió encargar a su artista favorito, Edouard Manet, que pintara un bodegón representando un manojo de espárragos. Le ofreció 800 francos por la obra de arte . Manet aceptó, pintó los espárragos y envió el resultado a su patrón. Después de recibirlo, es un asombro: Charles Ephrussi ama el cuadro , quedó encantado con este magnífico ramo de espárragos y le da 1000 francos a Manet (es decir, 200 francos más de lo esperado). Entonces, el artista decidió ofrecer a este generoso mecenas otro bodegón , El espárrago , acompañado del siguiente comentario: " Faltaba uno en su grupo". .
Edouard Manet, Una ramita de espárragos , 1880. Musée d'Orsay, París, Francia.
Esto fue todo lo que se necesitó para que una obra de arte aparentemente insignificante se convirtiera en una leyenda en la historia del arte moderno. Hoy, las dos obras de arte están separadas: una está en el Musée d'Orsay de París, la otra en el Museo de la Ciudad de Colonia, pero debido a que ambas están tan estrechamente relacionadas, esperamos de todo corazón que algún día lleguen. juntos .
4. Paul Cézanne, Naturaleza muerta con calavera (ca. 1898)
Paul Cézanne, Naturaleza muerta con calavera , alrededor de 1898. Fundación Barnes, Filadelfia.
Cómo hablar de los bodegones más famosos de la historia del arte sin mencionar al maestro indiscutible de este ejercicio estilístico: el extraño y fascinante Paul Cézanne . Este artista, enamorado del sur de Francia, realizó varios centenares de naturalezas muertas a lo largo de su carrera, todas más sublimes unas que otras.
Para Wassily Kandinsky , Cézanne "elevó la naturaleza muerta a tal punto que dejó de ser inanimada. Las pintó como seres humanos porque había recibido la capacidad de adivinar la vida interior de todo" . Un hermoso homenaje a este apasionado pintor, que se dedicó a analizar la pintura bajo el prisma de las matemáticas.
P aul Cézanne, La canasta de manzanas, ca. 1892. Instituto de Arte de Chicago.
Si las manzanas de Cézanne son tan fascinantes es porque las vio como esferas y cilindros, y no como simples objetos de representar. Si sus composiciones son tan naturales es porque no están hechas de líneas y formas, sino de la alquimia de los contrastes. La forma se crea mediante una concordancia exacta de tonos, y si esta coordinación es armoniosa, entonces la pintura se hace a sí misma . En el lenguaje de los artistas, "modelar" significa sobre todo "modular" . La obra de Cézanne es una parte esencial de la historia del arte, presagiando las principales corrientes artísticas del siglo XX, en particular el cubismo .
5. Georges Braque, violín y candelero (1910)
Georges Braque, violín y candelero , 1910. Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Fue con Pablo Picasso que Georges Braque cofundó el cubismo , el estilo artístico dominante del siglo XX. El cubismo es un movimiento artístico que se caracteriza principalmente por el abandono de la perspectiva clásica , la ruptura de formas en diferentes facetas geométricas (que da la impresión de "cubos") y la independencia de los diferentes planos de la composición. Para dar sentido a su investigación, Braque y Picasso tuvieron que producir obras de arte de acuerdo con estos procesos: Braque primero hizo paisajes, luego se dedicó a deconstruir el tema tradicional de la naturaleza muerta .
El violín y el candelero es sin duda el bodegón cubista más famoso de la Historia del Arte . Creado en 1910, es parte de la primera fase del cubismo, comúnmente conocido como cubismo analítico . Aquí, los elementos de la composición están representados por formas simples, utilizando múltiples puntos de vista en un estilo puramente monocromático: el artista usó solo los diferentes tonos del mismo color. Con Braque y Picasso, el arte se convierte en un ejercicio lógico y matemático .
Georges Braque, Naturaleza muerta con vidrio y letras, 1914. MoMA, Nueva York.
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