Cómo apreciar una obra de arte

 

Cómo apreciar una obra de arte

La forma más fácil de entender y, por lo tanto, apreciar una obra de arte es investigar su contexto o antecedentes. Esto se debe a que nos ayuda a entender lo que estaba (o podría haber estado) en la mente del artista en el momento en que creó la obra en cuestión. Piense en ello como un trabajo de detective básico. Comience con estas preguntas.

A. ¿Cómo evaluar el contexto / antecedentes del trabajo?

¿Cuándo se creó la pintura?

Conocer la fecha del trabajo nos ayuda a evaluar cómo se realizó y el grado de dificultad involucrado. Por ejemplo, los paisajes producidos antes de la popularidad de la fotografía (c. 1860), o la aparición de tubos de pintura de estaño plegables (1841), tenían un mayor nivel de dificultad. Pintura al óleo producido antes del Renacimiento, o después del Renacimiento por artistas de medios modestos, no contendrá el pigmento azul natural fabuloso pero astronómicamente costoso Ultramarine, hecho de mineral molido Lapis Lazuli .

¿La pintura es abstracta o representativa?

Una pintura puede ser completamente abstracta (es decir, no se parece a ninguna forma natural: una forma conocida como arte no objetivo ), o orgánicamente abstracto (alguna semejanza con las formas orgánicas naturales), o semi-abstracto (las figuras y otros objetos son discernibles hasta cierto punto), o figurativo (su contenido figurativo y de otro tipo es reconocible al instante). Obviamente, un trabajo abstracto tiene objetivos bastante diferentes a los de un trabajo de representación, y debe juzgarse de acuerdo con diferentes criterios. Por ejemplo, una imagen totalmente abstracta no intenta desviar al espectador con naturalismo y, por lo tanto, depende completamente de su efecto en sus cualidades formales (línea, forma, color, etc.).

¿Qué tipo de pintura es?

Las pinturas vienen en diferentes tipos o categorías (conocidas como géneros de pintura ) Los géneros establecidos son: Paisaje, Retrato, Pinturas de género (escenas cotidianas), Historia y Naturaleza muerta. Durante el siglo XVII, las grandes Academias europeas, como la Academia de Arte de Roma, la Academia de Arte de Florencia, la Academia parisiense de Bellas Artes y la Academia Real de Londres, siguieron la norma establecida en 1669 por el profesor. Andre Felibien, Secretario de la Academia francesa , que clasificaron los géneros de la siguiente manera: (1) Pintura de la historia – con pinturas religiosas siendo quizás una categoría independiente; (2) Retrato ; (3) Pintura de género ; (4) Pintura de paisaje ; (5) Naturaleza muerta . Esta jerarquía refleja el impacto moral de cada género. Los expertos creían que un mensaje moral podría transmitirse mucho más claramente a través de una imagen de la historia, un retrato o una pintura de género, en lugar de un paisaje o una naturaleza muerta.

Otros tipos de pintura, además de los cinco anteriores, incluyen: paisajes urbanos, pinturas marinas, íconos, retablos, miniaturas, murales, iluminaciones, ilustraciones, caricaturas, dibujos animados, póster, graffiti, imágenes de animales, etc.

Varios de estos tipos de pintura tienen reglas tradicionales sobre composición, temática, etc. Esto se aplica especialmente a arte religioso . Los temas cristianos, por ejemplo, que aparecen muchas veces en las pinturas renacentistas y barrocas, están obligados a contener ciertas figuras sagradas y deben ajustarse a ciertas reglas de composición. Además, los pintores a menudo se remontan a imágenes anteriores dentro del mismo género (Screaming Pope de Francis Bacon se inspiró en uno de los mejores pinturas de retratos – El Retrato de Inocencio X de Velázquez). Debido a todo esto, las pinturas se evalúan mejor contra otras obras del mismo tipo. Para más consejos, ver: Cómo apreciar las pinturas .

¿Con qué escuela o movimiento está asociada la pintura?

Una "Escuela" puede ser un grupo nacional de artistas (por ejemplo, la Escuela del Antiguo Egipto, la Escuela de Español, el Expresionismo alemán) o un grupo local (por ejemplo, la Escuela Delft de Realismo Holandés, la Escuela Ashcan de Nueva York, la Escuela de París), o un movimiento estético general (p. ej. Barroco , Neoclasicismo, impresionismo, fauvismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo, arte pop), un grupo local o de artistas (por ejemplo, Der Blaue Reiter, Escuela de expresionismo abstracto de Nueva York, Cobra Group, Fluxus, St Ives School), o incluso un tendencia general (realismo, expresionismo). Alternativamente, la escuela puede ocuparse de un género particular (p. Ej. Escuela barbizon y Newlyn School, ambos grupos de paisajistas; Hermandad prerrafaelita, imágenes históricas o literarias), o método de pintura (por ejemplo, neoimpresionismo, basado en Puntillismo – una variante de la teoría del color del divisionismo), o aspecto del mundo natural (p. ej. constructivismo, dedicado a reflejar el mundo industrial moderno), o política, o símbolos matemáticos (p. ej., austero Neoplasticismo )

Saber cuál de muchos movimientos artísticos La pintura a la que pertenece puede darnos una mayor comprensión de su composición y significado. En la escuela de Arte egipcio Por ejemplo, los pintores tenían que adherirse a reglas específicas de pintura sobre composición y color. Por lo tanto, las cifras se dimensionaron de acuerdo con su estatus social, en lugar de por referencia a perspectiva lineal . La cabeza y las piernas siempre se mostraban de perfil, mientras que los ojos y la parte superior del cuerpo se veían desde el frente. Los pintores egipcios no usaron más de seis colores: rojo, verde, azul, amarillo, blanco y negro, cada uno de los cuales simbolizaba diferentes aspectos de la vida o la muerte. Otras culturas y escuelas culturales tienen sus propias pautas específicas. Artistas realistas holandeses valiosa replicación exacta y real de interiores y alrededores, excepto en retratos, donde el objetivo era halagar al sujeto: cf. La Guardia Nocturna , de Rembrandt. Los pintores impresionistas generalmente valoraban la pincelada suelta para capturar impresiones fugaces de la luz. Los cubistas rechazaron las reglas normales de la perspectiva lineal y, en cambio, desarmaron su tema en una serie de placas geométricas planas transparentes que se superponían e intersectaban en diferentes ángulos. Los artistas de De Stijl como Piet Mondrian solo usaban formas geométricas en sus imágenes, mientras que las líneas siempre eran horizontales o verticales, nunca diagonales. Y así.

Tenga en cuenta que el arte occidental es muy diferente del arte oriental . Pintura china , por ejemplo, se enfoca en la esencia espiritual interna de las cosas más que en la apariencia exterior.

¿Dónde se pintó la imagen?

Saber dónde y bajo qué circunstancias se crea una pintura a menudo puede mejorar nuestra apreciación y comprensión del trabajo en cuestión. Aquí hay unos ejemplos.

Balanceándose peligrosamente sobre andamios desvencijados, Miguel Ángel pintó el techo de la Capilla Sixtina (un área gigantesca de 12, 000 pies cuadrados) prácticamente sin ayuda, durante el transcurso de 4 años entre 1508 y 1512. Sabiendo que esta obra maestra de Arte cristiano Fue creado in situ , en lugar de en un agradable y cálido estudio, nos ayuda a apreciar la magnitud de la tarea.

Monet, el líder de los franceses. Impresionismo , dedicó su vida a pintura al aire libre . En sus últimos años, tenía un jardín acuático japonés con estanques de lirios dispuestos al lado de su casa, y fue allí donde produjo su enorme serie de pinturas de nenúfares. Pissarro también pintó principalmente al aire libre y, por lo tanto, siempre tenía una gran cantidad de pinturas sin terminar, porque la luz a menudo se desvanecía antes de que su trabajo estuviera terminado. Esto explica por qué pintó la misma escena o motivo (para capturar la luz diferente) y por qué su pincel fue tan rápido y suelto. Por otro lado, Manet y Degas eran gente de la ciudad y trabajaban exclusivamente en su estudio, donde podían pulir y perfeccionar su trabajo. Otros pintores excepcionales de plein-air incluyeron a los escandinavos Kroyer y Hammershoi (conocidos como ’los pintores de la luz’), que produjeron una serie de paisajes excepcionales en Skagen en Dinamarca.

Los alrededores pueden tener un gran impacto en el estado de ánimo de un artista y, por lo tanto, en su pintura. Van Gogh y Gauguin son casos en cuestión. En sus 10 años de pintura, Van Gogh se basó en colores oscuros mientras pintaba durante los días difíciles en Holanda (por ejemplo, The Potato Eaters , 1885); cambió a colores más claros y brillantes en París cuando cayó bajo la influencia del impresionismo; se volvió amarillo vivo cuando pintaba en Arles, cerca de la Riviera ( Café Terrasse de noche , 1888); antes de volver a los pigmentos más oscuros en su período final (The Olive Pickers, 1889, y el siniestro Wheat Field with Crows , 1890). En 1891, un año después de la muerte de Van Gogh, el artista francés Paul Gauguin zarpó hacia Tahití y las Islas del Pacífico, donde pasó la mayor parte de los últimos 10 años de su vida en la pobreza extrema. Sin embargo, su regreso a la naturaleza infundió a sus pinturas una enorme vida y color, así como un Primitivismo que encontró ecos en Picasso y otros.

Un artista particularmente interesante es el intimista francés Edouard Vuillard, quien vivió durante 60 años con su madre, una modista, en una serie de apartamentos en París. Su madre corrió su corsé desde su casa, dándole a Vuillard muchas oportunidades de observar los patrones, materiales, colores y formas de sus vestidos. Todo esto se reflejó cuidadosamente en el patrón de sus pinturas.

Una vez, durante su juventud artística, el artista pop pionero Robert Rauschenberg era (supuestamente) tan pobre que se quedó en su departamento y pintó la colcha en su propia cama, decorándola con pasta de dientes y esmalte de uñas. La obra icónica se tituló Bed (1955).

¿En qué punto se encontraba el artista en su carrera? ¿Cuál fue su trasfondo?

Saber si una pintura se creó temprano o tarde en la vida de un pintor a menudo puede ayudarnos a apreciar el trabajo.

Los artistas generalmente mejoran su técnica de pintura con el tiempo, logran un punto alto en algún momento de la mitad de la carrera y luego se desvanecen en los años posteriores. Algunos artistas, sin embargo, han muerto a la altura de sus poderes. Tales artistas incluyen: Raphael (1483-1520), Caravaggio (1571-1610), Jan Vermeer (1632-75), Thomas Girtin (1775-1802), Richard Parkes Bonington (1802-28), Van Gogh (1853-90), Aubrey Beardsley (1872-98), Isaac Levitan (1860-1900), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Amedeo Modigliani (1884-1920), Nicolas de Stael (1914-1955) y Jackson Pollock (1912- 56), por nombrar algunos. Por otro lado, algunos artistas florecen temprano y, si bien pueden continuar pintando durante décadas, no logran repetir su éxito inicial. En esta categoría podemos encontrar artistas modernos como Marcel Duchamp, Georges Braque, Oskar Kokoschka, Andre Derain, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen, incluso, posiblemente, Picasso. Solo una proporción relativamente pequeña mantiene su creatividad en la vejez extrema, a la manera de Tintoretto, Monet, Renoir, Joan Miro y Lucian Freud.

Comprender los antecedentes del artista también puede explicar una gran cantidad sobre su pintura.

Según los informes, el expresionista noruego Edvard Munch nunca se recuperó de una serie de muertes tempranas en la familia. Su consecuente naturaleza neurótica y mórbida se puede ver en muchos de sus trabajos. La pintora mexicana Frida Kahlo nunca recuperó por completo el uso de su pierna derecha después de contraer polio a los 6 años, y a los 18 sufrió heridas graves después de un accidente de autobús. Esto ayuda a explicar su interminable serie de autorretratos, capturando su falta de movilidad.

Paul Cezanne (paisajes de Mont St Victoire , Bañistas y bodegones) y Edgar Degas (bailarines de ballet) pintaron infinitas versiones minuciosas de ciertos temas. Una razón probable para esto es que ninguno de ellos dependía de su arte para vivir. Ciertamente ninguno de los dos intentó muchos retratos, que fue el más gratificante financieramente de los géneros. Por otro lado, ambos hombres eran más clasicistas en su perspectiva que sus colegas impresionistas, lo que ayuda a explicar sus métodos de trabajo precisos y meticulosos.

¿Dónde estaba la ubicación prevista de la pintura? (Si alguna)

Obviamente, una pintura diseñada para ocupar un gran espacio en la pared de un comedor del monasterio español del siglo XVI (cuadro religioso monumental e inspirador) será radicalmente diferente de una destinada al estudio de un próspero comerciante textil en el siglo XVII en Amsterdam (pequeña -escala, retrato pulido, interior o naturaleza muerta). Del mismo modo, una pintura diseñada para el área de recepción de un software de alta tecnología en California (imagen abstracta moderna grande, posiblemente geométrica o expresionista) es probable que sea diferente de una instalada en la sala de juntas de un banco privado en la ciudad de Londres (tradicional Paisaje del siglo XIX). Por supuesto, estas sugerencias no son más que posibilidades estereotipadas, pero sirven para ilustrar el papel y las características de las obras de arte específicas del sitio.

B. Cómo evaluar la obra de arte en sí

Ver: Cómo apreciar las pinturas .
Ver también: Pinturas famosas analizadas .

Una vez que hemos investigado o investigado el contexto de la pintura, podemos comenzar a apreciar el trabajo en sí. Saber apreciar una pintura es en sí mismo un arte más que una ciencia. Y quizás el aspecto más difícil de la evaluación del arte es juzgar el método de pintura en sí: es decir, ¿cómo se ha realizado la pintura real? Es con gran humildad, por lo tanto, que ofrecemos estas sugerencias sobre cómo evaluar la técnica de pintura real utilizada.

¿Qué materiales se usaron en la creación de la pintura?

¿Qué tipo de pintura se usó? ¿Qué tipo de terreno o soporte empleó el pintor? Las respuestas a estas preguntas pueden proporcionar información interesante sobre las intenciones del artista. Los materiales estándar son pintura al óleo sobre lienzo. Óleo por su riqueza de color, lienzo por su adaptabilidad. Sin embargo, acrílicos o acuarelas se usan en lugar de aceites cuando se requieren esmaltes delgados, y los acrílicos también son mejores cuando se requieren grandes áreas planas de color. Los expresionistas abstractos estadounidenses Mark Rothko y Barnett Newman, ambos famosos por sus monumentales lienzos de colores, experimentaron en la década de 1950 con una mezcla de aceite y acrílicos. Las pinturas de acuarela y acrílicas también se secan mucho más rápido que los aceites y, por lo tanto, son ideales para pinturas trabajadas rápidamente. De madera pinturas de paneles a veces se usan como una alternativa al lienzo cuando se pretende una pintura muy precisa (las miniaturas fueron / todavía están pintadas en madera, cobre o incluso paneles de pizarra), o en conjunto con pintura al temple o acrílicos cuando el artista quiere construir la pintura en capas muy delgadas.

A veces, la superficie de la pintura, su soporte y su marco se convierten en una característica específica de la obra de arte. A principios de la década de 1960, el arte contemporáneo francés estaba dominado por el grupo de Superficies y Superficies de vanguardia de extrema izquierda, cuyos miembros pintaban lienzos a gran escala sin camillas (el soporte físico detrás del lienzo), mientras que los materiales a menudo se cortaban, tejían o arrugaban. El pintor italiano Lucio Fontana también se hizo un nombre en los años 60 con sus lienzos "recortados", lo que permitió al espectador ver a través del plano de la imagen el espacio tridimensional más allá, que a su vez se convierte en parte de la obra. Recientemente, Angela de la Cruz, una de las artistas contemporáneas nominadas para los británicos de 2010. Premio Turner , se ha destacado por sus lienzos que, después de ser pintados, se quitan del soporte de la camilla y se arrugan y se vuelven a colgar.

¿Cuál es el contenido y la materia de la pintura?

¿Qué se representa en la pintura? Si es una imagen histórica o pintura mitológica , hágase estas preguntas: ¿Qué evento se muestra? ¿Qué personajes están involucrados y cuáles son sus roles? ¿Qué mensaje contiene la pintura? Si es un retrato, hágase estas preguntas: ¿Quién es la niñera? ¿Cómo lo retrata el artista? ¿Qué características o aspectos de la niñera se les da importancia o atención? Si se trata de una escena de género, hágase estas preguntas: ¿Qué escena se representa? ¿Que esta pasando? ¿Qué mensaje (si hay alguno) tiene el pintor para nosotros? ¿Por qué ha elegido esta escena en particular? Si es un paisaje, hágase estas preguntas: ¿Cuál es la ubicación geográfica de la vista en la imagen? (p. ej., ¿es el lugar favorito del pintor?) ¿Qué nos está tratando de transmitir el artista sobre el paisaje? Si es una naturaleza muerta, hágase estas preguntas: ¿Qué objetos, por insignificantes que parezcan, se incluyen en la imagen? ¿Por qué el artista ha elegido estos artículos en particular? ¿Por qué los ha expuesto como lo ha hecho? Los bodegones son conocidos por su simbolismo, por lo que vale la pena analizar los objetos pintados para ver qué simboliza cada uno.

¿Cómo apreciar la composición en una pintura?

Composición significa el diseño general ( disegno ), el diseño general. Y cómo se presenta una pintura es vital, ya que determina en gran medida su impacto visual. ¿Por qué? Porque una pintura bien compuesta atraerá y guiará la mirada del espectador alrededor de la imagen. Los pintores que sobresalieron en la composición fueron invariablemente entrenados de manera clásica en las grandes academias, donde la composición era un elemento muy apreciado en el proceso de pintura. Tres ejemplos supremos son Nicolas Poussin (1594-1665), JAD Ingres (1780-1867) y Edgar Degas (1834-1917).

La falta de espacio nos impide entrar en detalles aquí, pero recomendamos un estudio de las siguientes obras: La Sagrada Familia en Egipto (1655-7, Hermitage, San Petersburgo) de Poussin; The Bather of Valpincon (1808, Louvre, Paris) de Ingres; y Ajenjo (1876, Musee d’Orsay) de Degas.

En el primer trabajo, que muestra a Joseph y Mary descansando al lado de un templo en una ciudad, Poussin’s demuestra su asombrosa habilidad para colocar todo en la pintura exactamente como debería ser, para una máxima armonía óptica y transmitir mensajes importantes que sean consistentes con El tema general. En pocas palabras, todo en la imagen tiene un propósito muy específico y una posición específica. En el segundo trabajo, un interior más simple de un dormitorio sin ventanas en el que vemos la espalda de una mujer desnuda anónima que está sentada en la cama, Ingres crea una disposición muy simbólica de colores, formas y ángulos, que infunde la imagen con misterio voyeurista.. La tercera imagen: una de las mejores pinturas de género siempre – representa a una prostituta sentada en un café de París, con una copa de ajenjo frente a ella; otro hombre se sienta a su lado; ambos están perdidos en sus pensamientos y en su propio mundo. En este trabajo, Degas utiliza una serie de ángulos y líneas, así como colores oscuros sombríos, para capturar el aislamiento de células y la soledad deprimente de las personas en el corazón de una gran metrópoli. Las tres obras ofrecen una serie de ideas importantes que lo ayudarán a apreciar la composición de las pinturas.

¿Cómo apreciar la línea y la forma en una pintura?

La habilidad de un pintor a menudo se revela en la fuerza y ​​la confianza de su línea (esquema), creando y delineando las diversas formas en su imagen. En una historia famosa, un importante mecenas envía un mensajero a Giotto, el gran pintor prerrenacentista. El mensajero le pide a Giotto una prueba de identidad, con lo cual el artista produce un pincel y una pieza de lino, sobre la cual pinta un círculo perfecto. Luego se lo entrega al mensajero, diciendo: "tu Maestro sabrá exactamente quién pintó esto". La línea es un elemento crucial en la estructura de una pintura y explica por qué dibujo fue considerado por todos los expertos del Renacimiento como el mayor atributo de un artista. De hecho, cuando se abrieron las grandes Academias Europeas de Bellas Artes, a los estudiantes no se les enseñó pintura ( colorito ) en absoluto: solo dibujar. Algunos de los mejores dibujantes eran pintores de retratos, cuya línea podría ser casi impecable: un ejemplo moderno es el retratista de formación clásica John Singer Sargent (1856–1925), que era un maestro de la técnica del " golpe de Estado ", un golpe exacto del cepillo, sin reelaboración. Entre los artistas modernos sin formación clásica, las pinturas de Van Gogh y Gauguin destacan por tener líneas excepcionalmente fuertes y seguras.

En la pintura figurativa: (1) examine cómo usa el artista claroscuro optimizar la calidad tridimensional de sus figuras; (2) ver si usa tenebrismo como parte de su plan de iluminación para poner el foco en ciertas partes de la imagen; (3) mire si el pintor está utilizando la técnica de sfumato en la mezcla de color.

¿Cómo apreciar el color en una pintura?

Color en pintura Es una gran influencia en nuestras emociones y, por lo tanto, juega un papel importante en la forma en que apreciamos el arte. Curiosamente, aunque podemos identificar hasta 10 millones de variantes de color, solo hay 11 términos de color básicos en el idioma inglés: negro, blanco, rojo, naranja, amarillo, verde, azul, morado, rosa, marrón y gris. Así que hablar con precisión sobre el color no es fácil. Por cierto, en lo que respecta a los términos: un "matiz" es sinónimo de color; un "tinte" es una versión más clara (por ejemplo, rosa) de un color particular (rojo); una "sombra" es una versión más oscura (por ejemplo, magenta); "tono" es la ligereza, intensidad o brillo de un color. Por cierto, muchos trabajos de Old Masters comienzan a oscurecerse con la edad, lo que los hace parecer menos atractivos. También puede hacer que incluso mejores museos de arte ¡Mira más sombrío!

El color es usado por los pintores de varias maneras. Tomar Las pinturas de Mark Rothko por ejemplo. Rothko fue uno de los primeros pintores en crear enormes lienzos abstractos saturados de colores vivos: amarillos, naranjas, rojos, azules, índigos y violetas. Su objetivo era estimular una respuesta emocional del espectador. ¿Y por qué no? Después de todo, la psicología del color ya está ejerciendo una gran influencia en los diseños de interiores para hospitales, escuelas y otras instituciones.

Históricamente, impresionismo y expresionismo (notablemente Fauvismo ) fueron los primeros movimientos internacionales en explotar todo el potencial del color. Los pintores académicos se adhirieron a los esquemas de color convencionales: hierba verde, mar azul / gris, etc., pero los artistas modernos pintaron lo que vieron (impresionistas) o cómo se sintieron (expresionistas): si eso significaba pintar hierba roja, que así fuera. El arte figurativo recibió el mismo tratamiento que los paisajes: así, el "Matisse ruso" Alexei von Jawlensky (1864-1941) estableció nuevos estándares para el uso del color en el retrato, mientras que Degas usó el color para agregar brillo a sus estrellas de ballet, y la desesperación su bebedor de absenta. Otros artistas emplean un esquema de color tonal monocromático en toda la imagen para crear un estado de ánimo particular. Los ejemplares supremos incluyen los paisajes románticos de Corot, las escenas nocturnas de Atkinson Grimshaw, los tonos nocturnos tonales de Whistler, los interiores de Peter Ilsted, los paisajes de Kroyer, los interiores de Hammershoi y el período "Azul" y "Rosa" de Picasso (1881-1973), por nombrar solo algunos..

En resumen, los pintores usan el color para estimular la emoción, capturar los efectos naturalistas de la luz, otorgar carácter a una figura o escena y agregar profundidad a un trabajo abstracto o semi-abstracto. También se puede usar para atraer la atención del espectador. Si desea aprender a apreciar las pinturas, preste mucha atención a cómo el artista emplea el color. Pregúntese: ¿Por qué ha elegido este / ese matiz particular? ¿Cómo contribuye al estado de ánimo o la composición de la imagen? ¿Cómo se relacionan entre sí los diferentes colores utilizados: crean armonía o fricción?

¿Cómo apreciar la textura y la pincelada en una pintura?

Cuando se trata de aprender a evaluar la textura y el pincel en la pintura, no hay sustituto para visitar una galería o museo y ver algunos lienzos por ti mismo. Incluso los mejores libros de arte son incapaces de replicar la textura en cualquier medida. Una vez más, tiende a ser pintores con formación clásica que se destacan en diferentes texturas, y el uso de pasta . Ingres incluso elegiría ciertas materias (p. Ej. El bañista de Valpincon 1808, La Grande Odalisque 1914) para mostrar su habilidad para capturar la textura de materiales como el nácar, la nácar y la seda. En cualquier caso, qué tan bien un pintor maneja la textura es una buena guía de la fuerza de su técnica de pintura.

La pincelada puede ser apretada (más lenta, precisa, controlada) o suelta (más rápida, más informal, más expresionista). Está determinada en gran medida por el estilo y el estado de ánimo de la pintura, en lugar de (digamos) el temperamento del artista. Caravaggio tenía un temperamento violento y caliente, pero sus pinturas eran modelos de pinceladas controladas. Cézanne tenía un temperamento lento: pintaba tan lentamente que toda la fruta en sus bodegones se pudría semanas antes de que terminara. Sin embargo, la pincelada en muchas de sus obras es excepcionalmente floja. En general, podemos decir que las pinceladas de pintores realistas tienden a ser más deliberadas y más controladas que los expresionistas. Cuando los impresionistas realizaron su primera exposición en París, en 1874, los críticos y los espectadores se horrorizaron ante lo que llamaron "descuido" de las pinceladas. Tenían que estar mucho más lejos de las pinturas antes de que la imagen exacta tomara forma. Hoy en día estamos bastante a gusto con el impresionismo, pero al principio su pincel súper suelto causó un escándalo.

Cuando se trata de evaluar una imagen, la pregunta que debe hacerse es: ¿la pincelada agrega o resta valor a la pintura?

¿Cómo apreciar la belleza en una pintura?

Estética Es un tema intensamente personal. Todos vemos las cosas de manera diferente, incluido el "arte", y especialmente la "belleza". Además, la pintura es ante todo un arte visual, algo que vemos, en lugar de pensar. Entonces, si se nos pregunta si creemos que una pintura es hermosa, es probable que demos una respuesta bastante instantánea. Sin embargo, si luego se nos pide evaluar la belleza (o la falta de ella) de una pintura, es decir, explicar y dar razones, bueno, es una historia diferente. Entonces, para ayudarlo a analizar la situación, aquí hay algunas preguntas que debe hacerse sobre la pintura. La mayoría se preocupa por la armonía, regularidad y equilibrio que es visible.

¿Qué proporciones son evidentes en la imagen?
Arte griego y Arte renacentista A menudo se basaba en ciertas reglas de proporción, que coincidían con los puntos de vista clásicos sobre la armonía óptica. Entonces, tal vez la belleza que ves (o no) puede explicarse en parte por referencia a las proporciones (de objetos y figuras) en el trabajo.

¿Se repiten ciertas formas o patrones en la pintura?
Según los psicólogos, la repetición de formas agradables, especialmente en patrones simétricos, puede relajar los ojos y el cerebro, haciéndonos sentir placer.

¿Los colores utilizados en la pintura se complementan entre sí?
Los esquemas de color con matices complementarios o variaciones tonales son conocidos por su atractivo efecto en los sentidos.

¿La imagen te atrae? ¿Mantiene su atención?
Las mejores pinturas son las más fáciles de ver. Atraen nuestra atención, y luego las "señales" guían nuestro ojo alrededor del trabajo.

¿Cómo se compara la pintura con otros?

Todo es relativo. Entonces, ¿cómo se compara la pintura frente a ti con tipos similares de pintura del mismo artista? Si es un trabajo maduro, es posible que mejore con respecto a los anteriores, y viceversa. Si no puede encontrar a otros del mismo artista, intente buscar obras similares de otros artistas. Idealmente, comience con obras pintadas en la misma década, y luego avance gradualmente en el tiempo. ¡No puedes mirar demasiadas pinturas!

Consejos sobre cómo apreciar el arte abstracto

Pinturas abstractas No son fáciles de evaluar. Está bien cuando siguen un tema general, como Cubismo , o cuando incluyen características reconocibles, pero puramente arte concreto – que usa solo símbolos geométricos – ¡tiende a ser demasiado cerebral para la comodidad! Dicho eso, muchos pintores abstractos hemos hecho una gran contribución a la cultura contemporánea y debemos tratar de entenderlos. Así que aquí hay algunos consejos.

La pintura totalmente abstracta nos libera, a los espectadores, de cualquier asociación óptica con la vida real. (Esta es la razón por la cual muchos artistas trabajan en el lenguaje abstracto). Por lo tanto, no nos distraemos con nada fuera de la pintura y podemos concentrarnos exclusivamente en los aspectos pictóricos del trabajo: es decir, la línea, la forma, el color, la textura, el pincel, etc.

En particular, pregúntese: (1) ¿Cómo divide el artista el lienzo? (2) ¿Cómo dirige el artista nuestro ojo y dónde permanece? (3) ¿Cómo usa el artista el color para crear profundidad, llamar la atención o dotar a ciertas formas de un significado o significado particular? (4) ¿Qué formas específicas contiene el trabajo y qué crees que significan? (5) A veces los artistas abstractos usan el color con moderación y crean deliberadamente un aspecto minimalista. Si no puede decir mucho sobre tales trabajos, no se preocupe: ¡todos tienen dificultades con ellos! Lo mejor que puede hacer es investigar un trabajo en particular y descubrir qué piensa un "experto en arte" al respecto. Puede que aún no te guste, pero al menos sabrás qué buscar. (6) En general, las pinturas abstractas son mucho más cerebrales que otras obras. ¡Necesitan ser descifrados! Entonces, en lugar de levantar las manos y decir: "¡No entiendo esta horrible pintura!", Trátela como un rompecabezas y vea si puede resolver a qué apunta el artista.

Ver también: Cómo apreciar las pinturas .

Cómo evaluar el arte: algunas preguntas finales

Después de investigar el contexto de la pintura y el trabajo en sí, llegamos a algunas preguntas finales.

Historia de la crítica de arte: críticos famosos

No tienes que saber nada sobre críticos de arte o su historia para saber apreciar el arte. Así que no te aburriremos con detalles. Sin embargo, algunos fragmentos podrían ayudarlo a asegurarle que incluso los expertos pueden estar en desacuerdo sobre si una pintura es una obra de genio o basura completa.

Denis Diderot (1713-84) es considerado como el padre fundador de la crítica de arte, debido a su dirección de la Enciclopedia (1751-2). Más bien sentimental en su gusto artístico, hizo muchas cosas importantes, la mayoría de las cuales son demasiado aburridas para mencionar.

Theophile Thore (1807-69) es más interesante: fue el escritor e historiador de arte francés que "redescubrió" a Jan Vermeer (1632-75) y lo estableció como uno de los mejores pintores de la historia. Sin embargo, no es de mucha ayuda para Vermeer. El pobre hombre apenas podía pagar sus cuentas de pan, no ganó dinero con su pintura y cayó en la oscuridad después de una muerte prematura.

Otro famoso crítico de arte fue el poeta del siglo XIX Charles Baudelaire (1821-67). Él lanzó la carrera de Felicien Rops (¿alguna vez has oído hablar de él?), Y también destacó al artista Constantin Guys por una mención especial (tampoco he oído hablar de él). Buen Charles. También fue un escritor habitual en el Salón de París anual, cuyas autoridades anticuadas prohibieron a todos los artistas realmente buenos que finalmente organizaron una serie de exhibiciones rivales, incluida la Salon des Refuses (1863), el Salon des Independants (1884-1914) y el Salon d’Automne (1903 en adelante).

En Suiza y en el mundo de habla alemana, posiblemente el mejor historiador de arte después de Johann Winckelmann, fue Jacob Burckhardt (1818-97), profesor de historia en la Universidad de Basilea. Su libro más famoso, "La civilización del Renacimiento en Italia" ( Die Kultur der Renaissance in Italien ), publicado en 1860, exploró la totalidad del Rinascimento italiano y tuvo un gran impacto en los críticos de arte del siglo XIX.

En Inglaterra, el mayor crítico de arte del siglo XIX fue John Ruskin (1819-1900). Artista talentoso y escritor hermoso, recordado por clásicos como sus pintores modernos de 5 volúmenes (1843-60), las siete lámparas de arquitectura (1849) y las piedras de Venecia de 3 volúmenes (1851-3), finalmente se volvió loco. pero no antes de que perdiera un famoso caso de difamación ante Whistler.

Ver también: Las mejores pinturas modernas (1800-1900).

Roger Fry (1866-1934) fue un crítico de arte inglés muy influyente que tenía una voz maravillosamente meliflua. Construyó su reputación como experto en el Renacimiento italiano y se convirtió en curador de pinturas en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1906-10). Sin embargo, en 1907, Fry ’descubrió’ a Cezanne y cambió su interés a Post impresionismo – Convertirse en el mejor campeón del movimiento. En Londres, en 1910 y 1912 fue curador de dos exposiciones seminales del postimpresionismo. Muchos visitantes pensaron que Fry estaba loco. Su principal apóstol fue el escritor, crítico de arte y formalista Clive Bell (1881-1964).

Herbert Read (1893-1968) fue un famoso crítico de arte inglés del siglo XX y el principal intérprete de arte Moderno . Publicó numerosas obras, entre ellas El significado del arte (1931), Arte ahora (1933), Educación a través del arte (1943), Una historia concisa de la pintura moderna (1959) y Una historia concisa de la escultura moderna (1964). Basta de charla.

De vuelta en Francia, el principal crítico de arte de principios del siglo XX fue el poeta. Guillaume Apollinaire (1880-1918). Brillante propagandista de Picasso, Cubismo, Orfismo, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, Andre Derain, Henri Matisse, Henri Rousseau y Marcel Duchamp, su evaluación de arte fue impecable.

El surrealismo tenía sus propios propagandistas internos como Andre Breton (1896-1966), y cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, casi todos los artistas habían dejado París y se habían ido a Nueva York, que ahora se convirtió en el centro mundial del arte. Sus principales críticos de arte fueron Clement Greenberg (1909-94) Harold Rosenberg (1906-78) y John Canaday (1907-85). Greenberg, un ex trotskista, favoreció obras abstractas como las pinturas de Jackson Pollock y escribió Art and Culture (1961) junto con monografías sobre Miro (1948) y otras. Desafortunadamente, aunque sabía cómo apreciar la pintura, gran parte del arte de vanguardia le gustaba tanto es casi indescifrable, como el propio Greenberg. Rosenberg, como Greenberg, era un seguidor de la abstracción vanguardista. Canaday, el crítico de arte del New York Times, fue uno de los pocos críticos influyentes del expresionismo abstracto.

Kenneth Clark (1903-83), a pesar de ser más tradicionalista que la mayoría de los críticos del siglo XX, fue posiblemente el más influyente, debido a su creación de la galardonada serie documental de la BBC "Civilization", que tuvo un gran éxito tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos, y en todo el mundo de habla inglesa.

Es imposible apreciar todo el arte

El impresionismo francés es uno de los movimientos artísticos más exitosos e influyentes de todos los tiempos. Sin embargo, al principio fue criticado, no solo por los críticos, sino por todas las secciones del público. Monet, Renoir y Pissarro casi se mueren de hambre. Sisley murió en la pobreza.

En la primavera de 1913, el Armory Show , la mayor exhibición de arte moderno jamás vista en los Estados Unidos, se realizó en Manhattan, antes de viajar a Chicago y Boston. Alrededor de 300, 000 estadounidenses vieron las 1300 exhibiciones, que presentaban la pintura europea más actualizada más una selección del mejor arte contemporáneo americano. Las opiniones variaron enormemente, especialmente cuando se trataba de obras cubistas y otras obras del siglo XX. Los disturbios estallaron en respuesta, y el artista Marcel Duchamp fue atacado físicamente por una multitud que estaba decidida a incendiar el espectáculo.